Живопись раннего возрождения. Предвозрождение. Раннее Возрождение
Федеральное агентство по образованию
Санкт – Петербургский государственный архитектурно – строительный университет
Кафедра истории
Дисциплина: Культурология
Титаны и шедевры культуры эпохи Возрождения
Студент группы 1 ЭС 2
Е. Ю. Наливко
Руководитель:
к. и. н., преподаватель
И. Ю. Лапина
Санкт – Петербург
Введение………………………………………………………3
Искусство раннего Возрождения………………………..4
Период высокого Ренессанса…………………………….5
Сандро Боттичелли……………………………………….5
Леонардо Да Винчи………………………………………7
Микеланджело Буонарроти …….………………………10
Рафаэлло Санти…………....…………………………….13
Заключение…………………………………………………..15
Список использованной литературы……………………....16
Введение
Эпоха Возрождения – важный период в мировой культуре. Первоначально новое явление в европейской культурной жизни выглядело как возвращение к забытым достижениям античной культуры в области науки, философии, литературы. Феномен Возрождения заключается в том, что античное наследие превратилось в оружие ниспровержения церковных канонов и запретов. По существу, надо говорить о грандиозной культурной революции, которая длилась два с половиной столетия и завершилась созданием нового типа мировоззрения и нового типа культуры. Ничего подобного вне европейского региона в то время не наблюдалось. Поэтому данная тема вызвала у меня огромный интерес и желание более подробно разобрать данный период.
В своем реферате я хочу акцентировать внимание на таких выдающихся людей, как Сандро Боттичелли, Леонардо Да Винчи, Микеланджело Буонарроти, Рафаэлло Санти. Именно они стали наиболее яркими представителями основных этапов итальянского Возрождения.
1. Искусство раннего возрождения
В первых десятилетиях XV века в искусстве Италии происходит решительный перелом. Возникновение мощного очага Ренессанса во Флоренции повлекло за собой обновление всей итальянской художественной культуры.
Творчество Донателло, Мазаччо и их сподвижников знаменует победу ренессанского реализма, существенно отличавшегося от того "реализма деталей", который был характерен для готизирующего искусства позднего треченто. Произведения этих мастеров проникнуты идеалами гуманизма. Они героизируют и возвеличивают человека, поднимают его над уровнем обыденности.
В своей борьбе с традицией готики художники раннего Возрождения искали опору в античности и искусстве Проторенессанса. То, что только интуитивно, на ощупь искали мастера Проторенессанса, теперь основывается на точных знаниях.
Итальянское искусство XV века отличается большой пестротой. Новое искусство, победившее в начале XV века в передовой Флоренции, далеко не сразу получило признание и распространение в других областях страны. В то время как во Флоренции работали Брунелесски, Мазаччо, Донателло, в северной Италии еще были живы традиции византийского и готического искусства, лишь постепенно вытесняемые Ренессансом.
Главным очагом раннего Возрождения была Флоренция. Флорентийская культура первой половины и середины XV века разнообразна и богата. С 1439 года, со времени состоявшегося во Флоренции вселенского церковного собора, на который прибыли в сопровождении пышной свиты византийский император Иоанн Палеолог и константинопольский патриарх, и особенно после падения Византии в 1453 году, когда многие бежавшие с Востока ученые нашли прибежище во Флоренции, город этот становится одним из главных в Италии центров изучения греческого языка, а также литературы и философии Древней Греции. И все же ведущая роль в культурной жизни Флоренции первой половины и середины XV века, бесспорно, принадлежала искусству. 1
2. Период Высокого Ренессанса
Этот отрезок времени представляет собой апогей эпохи Возрождения. Это был небольшой период, продожавшийся около 30 лет, но в количественном и качественном уровне, этот отрезок времени подобен векам. Искусство Высокого Возрождения является суммированием достижений 15 века, но в то же время это новый качественный скачок, как в теории искусства, так и в его воплощении. Необычайную «уплотненность» этого периода можно объяснить тем, что количество одновременно (в один исторический период) работающих гениальных художников является неким рекордом даже для всей истории искусства. Достаточно назвать такие имена как Леонардо да Винчи, Рафаэль и Микеланджело.
3. Сандро Боттичелли
Имя Сандро Боттичелли известно всему миру, как имя одного из самых замечательных художников итальянского Возрождения.
Сандро Боттичелли родился в 1444 (или в 1445) году в семье кожевника, флорентийского гражданина Мариано Филиппепи. Сандро был самым младшим, четвертым сыном Филиппепи. К сожалению, почти ничего не известно о том, где и когда Сандро прошел художественную выучку и действительно ли, как сообщают старые источники, он сначала обучался ювелирному ремеслу, а затем уже стал заниматься живописью. В 1470 году он уже имел собственную мастерскую и самостоятельно выполнял полученные заказы.
Обаяние искусства Боттичелли всегда остается немного загадочным. Его произведения вызывают чувство, какое не вызывают произведения других мастеров.
Боттичелли уступал многим художникам XV века, одним - в мужественной энергии, другим - в правдивой достоверности деталей. Его образы (за очень редким исключением) лишены монументальности и драматизма, их преувеличенно хрупкие формы всегда немного условны. Но как никакой другой живописец XV века Боттичелли был наделен способностью к тончайшему поэтическому осмыслению жизни. Он впервые сумел передать едва уловимые нюансы человеческих переживаний. Радостное возбуждение сменяется в его картинах меланхолической мечтательностью, порывы веселья - щемящей тоской, спокойная созерцательность - неудержимой страстность.
Новое направление искусства Боттичелли получает свое крайнее выражение в последний период его деятельности, в произведениях 1490-х-начала 1500-х годов. Здесь приемы преувеличения и диссонанса становятся почти нестерпимыми (например, «Чудо св. Зиновия»). Художник то погружается в пучину безысходной скорби («Пьета»), то отдается просветленной экзальтации («Причащение св. Иеронима»). Его живописная манера упрощается почти до иконописной условности, отличаясь какой-то наивной косноязычностью. Плоскостному линейному ритму полностью подчиняется и рисунок, доведенный в своей простоте до предела, и цвет с его резкими контрастами локальных красок. Образы как бы утрачивают свою реальную, земную оболочку, выступая как мистические символы. И все же в этом, насквозь религиозном искусстве с огромной силой пробивает себе дорогу человеческое начало. Никогда еще художник не вкладывал в свои произведения столько личного чувства, никогда еще его образы не имели такого высокого нравственного значения.
Со смертью Боттичелли завершается история флорентийской живописи Раннего Возрождения - этой подлинной весны итальянской художественной культуры. Современник Леонардо, Микеланджело и молодого Рафаэля, Боттичелли остался чужд их классических идеалов. Как художник он полностью принадлежал XV столетию и не имел прямых преемников в живописи Высокого Возрождения. Однако его искусство не умерло вместе с ним. То была первая попытка раскрыть душевный мир человека, попытка робкая и закончившаяся трагически, но получившая через поколения и столетия свое бесконечно многогранное отражение в творчестве других мастеров.
Искусство Боттичелли - поэтическая исповедь великого художника, которая волнует и всегда будет волновать сердца людей. 2
4. Леонардо Да Винчи
В истории человечества нелегко найти другую столь же гениальную личность, как основатель искусства Высокого Возрождения Леонардо да Винчи (1452-1519). Всеобъемлющий характер деятельности этого великого художника и ученого стал ясен только тогда, когда были исследованы разрозненные рукописи из его наследия. Леонардо посвящена колоссальная литература, подробнейшим образом изучена его жизнь. И, тем не менее, многое в его творчестве остается загадочным и продолжает будоражить умы людей.
Леонардо Да Винчи родился в селении Анкиано близ Винчи: недалеко от Флоренции. Он был внебрачным сыном зажиточного нотариуса и простой крестьянки. Заметив необычайные способности мальчика в живописи, отец отдал его в мастерскую Андреа Верроккьо. В картине учителя «Крещение Христа» фигура одухотворенного белокурого ангела принадлежит кисти молодого Леонардо.
Среди его ранних работ картина «Мадонна с цветком» (1472 г.), исполненная живописным маслом, редким тогда в Италии.
Около 1482 г. Леонардо поступил на службу к миланскому герцогу Лодовико Моро. Мастер рекомендовал себя при этом в первую очередь как военного инженера, зодчего, специалиста в области гидротехнических работ и только потом как живописца и скульптора. Однако первый миланский период творчества Леонардо (1482-1499 гг.) оказался наиболее плодотворным. Мастер стал самым известным художником Италии, занимался архитектурой и скульптурой, обратился к фреске и алтарной картине.
До нашего времени дошли живописные картины Леонардо миланского периода. Первой алтарной композицией Высокого Возрождения стала «Мадонна в гроте» (1483-1494 г.г.). Живописец отошел от традиций пятнадцатого столетия: в религиозных картинах которого преобладало торжественная скованность. В алтарной картине Леонардо мало фигур: женственная Мария, Младенец Христос, благословляющий маленького Иоанна Крестителя, и коленопрекосновенный ангел, словно выглядывающий из картины. Образы идеально прекрасны, естественно связаны с окружающей их средой. Это подобие грота среди темных базальтовых скал с просветом в глубине - типичный для Леонардо пейзаж в целом фантастически таинственный. Фигуры и лица окутаны воздушной дымкой, придающей им особую мягкость. Итальянцы этот прием Деонардо называли сфумато.
В Милане, по-видимому, мастер создал полотно «Мадонна с младенцем» («Мадонна Лита»). Здесь в отличие от «Мадонны с цветком» он стремился к большей обобщенности идеальности образа. Изображен не определенный момент, а некое длительное состояние покой радости, в которое погружена молодая прекрасная женщина. Холодный ясный свет озаряет ее тонкое мягкое лицо с полуопущенным взором и легкой, еле уловимой улыбкой. Картина написана темперой, придающей звучность тонам голубого плаща и красного платья Марии. Удивительно написаны пушистые темно-золотистые вьющиеся волосы Младенца, не по-детски серьезен его внимательный взгляд устремленный на зрителя.
Когда в 1499 году Милан был взят французскими войсками, Леонардо покинул город. Началась пора его скитания. Некоторое время он работал во Флоренции. Там творчество Леонардо словно озарила яркая вспышка: он написал портрет Моны Лизы, супруги богатого флорентийца Франческо ди Джокондо (около 1503). Портрет известен как «Джоконда», стал одним из самых прославленных произведений мировой живописи.
Небольшой, окутанный воздушной дымкой портрет молодой женщины, сидящей на фоне голубовато-зеленого пейзажа, полон такой живой и нежной трепетности, что, по словам Вазари, в углублении шеи Моны Лизы можно видеть биение пульса. Казалось бы картина просто для понимания. Между тем в обширной литературе, посвященный «Джоконде», сталкиваются самые противоположные толкования созданного Леонардо образа.
В последние годы жизни Леонардо да Винчи мало работал как художник. Получив приглашение от французского короля Франциска 1, он уехал в 1517 г во Францию и стал придворным живописцем. Вскоре Леонардо умер. На автопортрете - рисунке (1510-1515 г.г.) седобородый патриарх с глубоким скорбным взглядом выглядел гораздо старше своего возраста.
О масштабе и уникальности дарования Леонардо позволяют судить его рисунки, занимающие в истории искусства одно из почетных мест. С рисунками Леонардо да Винчи, зарисовками, набросками, схемами неразрывно связаны не только рукописи, посвященные точным наукам, но и работы по теории искусства. Много место отдано проблемам светотени, объемной моделировке, линейно и воздушной перспективе. Леонардо да Винчи принадлежат многочисленные открытия, проекты и экспериментальные исследования в математике, механике, других естественных наук.
Искусство Леонардо да Винчи, его научные и теоретические исследования, уникальность его личности прошли через всю историю мировой культуры и науки, оказали огромное влияние. 3
5. Микеланджело Буонарроти
Среди полубогов и титанов Высокого Возрождения Микеланджело занимает Особое место. Как творец нового искусства, он заслуживает названия Прометея 16 века
Прекрасное мраморное изваяние, известное под именем «Пьета», остается до сих пор памятником первого пребывания в Риме и полной зрелости 24- летнего художника. Святая Дева сидит на камне, на коленях ее покоится безжизненное тело Иисуса, снятое с креста. Она поддерживает его рукою. Под влиянием античных произведений Микеланджело отбросил все традиции средних веков в изображении религиозных сюжетов. Телу Христа и всему произведению он дал гармонию и красоту. Не ужас должна была вызывать смерть Иисуса, лишь чувство благоговейного удивления к великому страдальцу. Красота нагого тела много выигрывает благодаря эффекту света и тени, производимому искусно расположенными складками платья Марии. В лице Иисуса, изображенного художником, находили даже сходство с Савонаролой. Вечным заветом борьбы и протеста, вечным памятником затаенных страданий самого художника осталась Пьета.
Микеланджело вернулся во Флоренцию в 1501 году, в тяжелый для города момент,где из огромной глыбы каррарского мрамора, которая предназначалась для колоссальной статуи библейского Давида для украшения купола собора, решился создать цельное и совершенное произведение, не уменьшая его величины, и именно Давида. В 1503 году 18 мая статуя была установлена на плошади Сеньории, где она простояла более 350 лет.
В долгой и безотрадной жизни Микеланджело был только один период, когда ему улыбнулось счастье, - это когда он работал для папы Юлия ll. Микеланджело по-своему любил этого грубоватого папу-воина, обладавшего совсем не папскими резкими манерами. Гробница папы Юлия не вышла такой великолепной, как ее задумал Микеланджело. Вместо собора св. Петра ее разместили в небольшой церкви св. Петра, куда она даже не вошла целиком, а отдельные ее части разошлись по разным местам. Но и в таком виде это по праву одно из самых прославленных творений Возрождения. Центральная ее фигура-библейский Моисей, освободитель своего народа из египетской неволи (художник надеялся, что Юлий освободит Италию от завоевателей). Всепоглощающая страсть, нечеловеческая сила напрягают мощное тело героя, на его лице отражаются воля и решительность, страстная жажда действий, взгляд его устремлен в сторону земли обетованной. В олимпийском величии сидит полубог. Мощно опирается одна его рука на каменную скрижаль на коленях, другая покоится здесь же с небрежностью, достойной человека, которому достаточно движения бровей, чтобы заставить всех повиноваться. Как сказал поэт, «пред таким кумиром народ еврейский имел право пасть ниц с молитвой» По словам современников, «Моисей» Микеланджело в самом деле видел Бога.
По желанию папы Юлия Микеланджело расписал потолок Сикстинской капеллы в Ватикане фресками, изображающими сотворение мира. На его картинах господствуют линии и тела. Спустя 20 лет на одной из стен этой же капеллы Микеланджело написал фреску «Страшный суд» - потрясающее видение о появлении на Страшном суде Христа, по мановении руки которого грешники рушатся в адскую бездну. Мускулистый, геркулесоподобный гигант похож не на библейского Христа, пожертвовавшего собой ради блага человечества, а на олицетворение возмездия античной мифологии, Фреска раскрывает страшные бездны отчаявшейся души, души Микеланджело.
В произведениях Микеланджело выражена боль, вызванная трагедией Италии, слившаяся с болью по поводу собственной горестной судьбы, Красоту, к которой не примешаны страдания и несчастья, Микеланджело нашел в архитектуре. Строительство собора святого Петра после смерти Браманте взял на себя Микеланджело. Достойный преемник Браманте, он создал купол и по сей день непревзойденным ни по размерам, ни по величию,
Микеланджело не имел ни учеников, ни так называемой школы. Но остался целый мир, созданный им. 4
6. Рафаэль
Творчество Рафаэля Санти принадлежит к числу тех явлений евпропейской культуры, которые не только овеяны мировой славой, но и обрели особое значение - высших ориентиров в духовной жизни человечества. На протяжении пяти веков его искусство воспринимается как один из образцов эстетического совершенства.
Гений Рафаэля раскрылся в живописи, графике, архитектуре. Произведения Рафаэля являют собой самое полное, яркое выражение классической линии, классического начала в искусстве Высокого Возрождения (прил.3). Рафаэлем был создан «универсальный образ» прекрасного человека, совершенного физически и духовно, воплощено представление о гармонической красоте бытия.
Рафаэль (точнее, Рафаэлло Санти) родился 6 апреля 1483 года в городе Урбино. Первые уроки живописи он получил у отца, Джованни Санти. Когда Рафаэлю было 11 лет, Джованни Санти умер и мальчик остался сиротой (маль он потерял за 3 года до кончины отца). По-видимому, в течение последующих 5-6 лет он обучался живописи у Эванджелиста ди Пьяндимелето и Тимотео Вити, второстепенных провинциальных мастеров.
Первые известные нам произведения Рафаэля исполнены около 1500 - 1502 годов, когда ему было 17-19 лет. Это миниатюрные по размерам композиции «Три грации», «Сон рыцаря». Эти простодушные, еще ученически робкие вещи отмечены тонкой поэтичностью и искренностью чувства. С первых же шагов творчества дарования Рафаэля раскрывается во всем своеобразии, намечается его собственная художественная тема.
К лучшим работам раннего периода принадлежит «Мадонна Конестабиле». Композиции, изображающие мадонну с младенцем, принесли Рафаэлю широкую известность и популярность. На смену хрупким, кротким, мечтательным мадоннам умбрийского периода пришли образы более земные, полнокровные, их внутренний мир стал более сложным, богатым по эмоциональным оттенкам. Рафаэль создал новый тип изображения мадонны с младенцем - монументальный, строгий и лиричный одновременно, придал этой теме невиданную значительность.
Земное бытие человека, гармонию духовных и физических сил прославил в росписях станц (комнат) Ватикана (1509-1517), достигнув безупречного чувства меры, ритма, пропорций, благозвучия колорита, единства фигур и величества архитектурных фонов. Много изображения богоматери («Сикстинская мадонна», 1515-19), художественные ансамбли в росписях виллы Фарнезина (1514-18) и лоджиях Ватикана (1519, с учениками). В портретах создает идеальный образ человека Возрождения («Бальдассаре Кастильоне»,1515). Проектировал собор св. Петра, строил капеллу Киджи церкви Санта-Мария дель Пополо (1512-20) в Риме.
Живопись Рафаэля, ее стиль, ее эстетические принципы отрадажали мировозрение эпохи. К третьему десятелетию 16 века культурная и духовная ситуация в Италии изменилась. Историческая действительность разрушала иллюзии ранессансного гуманизма. Возрождение подходило к концу. 5
Заключение
В период Возрождения пробудился интерес к искусству Древней Греции и Рима, что побудило Европу на перемены, которые ознаменовали конец средневековья и начало нового времени. Этот период был не только временем “оживления” античного прошлого, это было время открытий и исследований, время новых идей. Классические примеры вдохновляли новое мышление, особое внимание уделялось человеческой личности, развитию и проявлению способностей, а не их ограниченности, что было характерно для средневековья. Обучение и научные исследования больше не были исключительно делом церкви. Возникли новые школы и университеты, проводились естественно- научные и медицинские эксперименты. Художники и скульпторы стремились в своем творчестве к естественности, к реалистичному воссозданию мира и человека. Изучались классические статуи и анатомия человека. Художники начали использовать перспективу, отказавшись от плоскостного изображения. Объектами искусства стали человеческое тело, классические и современные сюжеты, а также религиозные темы. В Италии зарождались капиталистические отношения, и дипломатия стала использоваться как инструмент в отношениях между городами-государствами. Научные и технические открытия, такие, как изобретение книгопечатания, способствовали распространению новых идей. Постепенно новые идеи овладели всей Европой.
(XIV-XVI/XVII вв.) ... это большой вклад в искусство Возрождения .ТИТАНЫ ВЫСОКОГО РЕНЕССАНСАЛЕОНАРДО ДА ВИНЧИВ конце... свой неповторимый вклад в эпоху Ренессанса и создало свои шедевры . В культуре XV-XVI вв. ...
Культура эпохи Возрождения Ренессанса
Контрольная работа >> Культура и искусствоЧеловека, делая из него подобие титана , они отделяли его от... мраморная копия. ЗНАЧЕНИЕ КУЛЬТУРЫ ЭПОХИ ВОЗРОЖДЕНИЯ Таким образом, стремясь познать культуру Возрождения , тайны его... пальцами также является одним из шедевров Симоне Мартини. Прелесть его...
Европейская культура эпохи Возрождения (2)
Лекция >> Культура и искусствоГуманизма. 3. Титаны эпохи Возрождения . Титанизм как культурный феномен. 4. “Барокко” – культура роскоши и смятения... ремеслах, и в литературе, и в художественном творчестве. Классические шедевры Леонардо, Микеланджело, Бруналлески, Тициана, Рафаэля...
Эпоха Возрождения (11)
Реферат >> Культура и искусствоВремени» (Ф. Энгельс). Beличайшим шедевром поэта, обессмертившим его имя, ... итогом развития средневековой культуры и подступом к новой культуре эпохи Возрождения . Вера в земное... звучат в стихотворении последнего титана Возрождения , написанном от имени его...
Сравнительная характеристика культур эпох
Реферат >> Культура и искусство... эпохи Августа стал 142 томный исторический труда Тита Ливия... Мира считаются шедеврами мировой культуры . Памятники архитектуры и строительства эпохи ранних... городской средневековой культуры . Название это условно: оно появилось в эпоху Возрождения и означало...
Характерные черты в искусстве эпохи Возрождения
Перспектива. Чтобы добавить трехмерную глубину и пространство в свои работы, художники эпохи Возрождения позаимствовали и значительно расширили понятия линейной перспективы, линии горизонта и точки схода.
§ Линейная перспектива. Картина с линейной перспективой - это как будто ты смотришь в окно и рисуешь именно то, что видишь на оконном стекле. Объекты на картине стали иметь свойственные им размеры в зависимости от удаленности. Те, что находились дальше от зрителя, уменьшались, и наоборот.
§ Линия горизонта. Это линия на расстоянии, при котором объекты уменьшаются до точки толщиной с эту линию.
§ Точка схода. Это точка, в которой параллельные линии как бы сходятся далеко на расстоянии, часто на линии горизонта. Этот эффект можно наблюдать, если стоять на железнодорожных путях и смотреть на рельсы, уходящие в да ль.
Тени и свет. Художники с интересом обыгрывали то, как свет падает на объекты и создает тени. Тени и свет можно было использовать для привлечения внимания к определенной точке на картине.
Эмоции. Художники эпохи Возрождения хотели, чтобы зритель, глядя на работу, что-нибудь почувствовал, испытал эмоциональное переживание. Это было формой визуальной риторики, где зритель чувствовал вдохновение, чтобы стать в чем-то лучше.
Реализм и натурализм. В дополнение к перспективе, художники стремились, чтобы объекты, особенно люди, выглядели более реалистично. Они изучали анатомию человека, измеряли пропорции и искали идеальную человеческую форму. Люди выглядели реально и проявляли подлинные эмоции, позволяя зрителю делать заключения о том, что изображенные люди думают и чувствуют.
Эпоху «Возрождения» делят на 4 этапа:
Проторенессанс (2-я половина XIII века - XIV век)
Раннее Возрождение (начало XV - конец XV века)
Высокое Возрождение (конец XV - первые 20 лет XVI века)
Позднее Возрождение (середина XVI - 1590-е годы)
Проторенессанс
Проторенессанс тесно связан со средневековьем, собственно оно и появилось в Позднем средневековье, с византийскими, романскими и готическими традициями, этот период явился предтечей Возрождения. Он делится на два подпериода: до смерти Джотто ди Бондоне и после (1337 год). Итальянский художник и архитектор, основоположник эпохи Проторенессанса. Одна из ключевых фигур в истории западного искусства. Преодолев византийскую иконописную традицию, стал подлинным основателем итальянской школы живописи, разработал абсолютно новый подход к изображению пространства. Работами Джотто вдохновлялись Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело. Центральной фигурой живописи стал Джотто. Художники Возрождения считали его реформатором живописи. Джотто наметил путь, по которому пошло её развитие: наполнение религиозных форм светским содержанием, постепенный переход от плоскостных изображений к объемным и рельефным, нарастание реалистичности, ввёл в живописи пластический объём фигур, изобразил в живописи интерьер.
В конце XIII века во Флоренции возводится главное храмовое сооружение - собор Санта Мария дель Фьоре, автором был Арнольфо ди Камбио, затем работу продолжил Джотто.
Важнейшие открытия, ярчайшие мастера живут и работают в первый период. Второй отрезок связан с эпидемией чумы, обрушившейся на Италию.
Раньше всего искусство проторенессанса проявилось в скульптуре (Никколо и Джованни Пизано, Арнольфо ди Камбио, Андреа Пизано). Живопись представлена двумя художественными школами: Флоренции и Сиены.
Раннее Возрождение
Период так называемого «Раннего Возрождения» охватывает собой в Италии время с 1420 по 1500 года. В течение этих восьмидесяти лет искусство ещё не вполне отрешается от преданий недавнего прошлого (Средних веков), но пробует примешивать к ним элементы, заимствованные из классической древности. Лишь впоследствии под влиянием всё сильнее и сильнее изменяющихся условий жизни и культуры, художники совершенно бросают средневековые основы и смело пользуются образцами античного искусства, как в общей концепции своих произведений, так и в их деталях.
Тогда как искусство в Италии уже решительно шло по пути подражания классической древности, в других странах оно долго держалось традиций готического стиля. К северу от Альп, а также в Испании, Возрождение наступает только в конце XV столетия, и его ранний период длится приблизительно до середины следующего века.
Художники Раннего Возрождения
Одним из первых и наиболее гениальных представителей этого периода по праву считается Мазаччо (Мазаччо Томмазо Ди Джованни Ди Симоне Кассаи) знаменитый итальянский живописец, крупнейший мастер флорентийской школы, реформатор живописи эпохи Кватроченто.
Своим творчеством он способствовал переходу от готики к новому искусству, прославлявшему величие человека и его мира. Вклад Мазаччо в искусство было вновь в 1988, когда его главное творение - фрески капеллы Бранкаччи в церкви Санта Мария дель Кармине во Флоренции - были восстановлены в первоначальном виде.
- Воскрешение сына Теофила, Мазаччо и Филиппино Липпи
- Поклонение волхвов
- Чудо со статиром
Другими важными представителями этого периода стали Сандро Боттичелли. великий итальянский живописец эпохи Возрождения, представитель флорентийской школы живописи.
- Рождение Венеры
- Венера и Марс
- Весна
- Поклонение Волхвов
Высокое Возрождение
Третий период Возрождения - время самого пышного развития его стиля - принято называть «Высоким Возрождением». Он простирается в Италии приблизительно с 1500 по 1527 год. В это время центр влияния итальянского искусства из Флоренции перемещается в Рим, благодаря вступлению на папский престол Юлия II - человека честолюбивого, смелого, предприимчивого, привлёкшего к своему двору лучших художников Италии, занимавшего их многочисленными и важными работами и дававшего собой другим пример любви к художеству. При этом Папе и при его ближайших преемниках Рим становится как бы новыми Афинамивремён Перикла: в нём строится множество монументальных зданий, создаются великолепные скульптурные произведения, пишутся фрески и картины, до сих пор считающиеся жемчужинами живописи; при этом все три отрасли искусства стройно идут рука об руку, помогая одно другому и взаимно действуя друг на друга. Античность изучается теперь более основательно, воспроизводится с большей строгостью и последовательностью; спокойствие и достоинство заменяют собой игривую красоту, которая составляла стремление предшествовавшего периода; припоминания средневекового совершенно исчезают, и вполне классический отпечаток ложится на все создания искусства. Но подражание древним не заглушает в художниках их самостоятельности, и они с большой находчивостью и живостью фантазии свободно перерабатывают и применяют к делу то, что считают уместным заимствовать для себя из античного греко-римского искусства.
Творчество трех великих итальянских мастеров знаменует собой вершину Ренессанса, это - Леонардо да Винчи (1452-1519)Леона́рдо ди сер Пье́ро да Ви́нчи великий итальянский живописец эпохи Возрождения, представитель флорентийской школы живописи. итальянский художник (живописец, скульптор, архитектор) и учёный (анатом, естествоиспытатель), изобретатель, писатель, музыкант, один из крупнейших представителей искусства Высокого Возрождения, яркий пример «универсального человека»
Тайная вечерия,
Мона Лиза,
-Витрувианский человек ,
- Мадонна Литта
- Мадонна в скалах
-Мадонна с веретеном
Микеланджело Буонарроти (1475-1564) Микела́нджело ди Лодо́вико ди Леона́рдо ди Буонарро́ти Симо́ни. итальянский скульптор, художник, архитектор [ ⇨ ] , поэт [ ⇨ ] , мыслитель [ ⇨ ] . . Один из крупнейших мастеров эпохи Возрождения [ ⇨ ] и раннего барокко. Его произведения считались наивысшими достижениями искусства Возрождения ещё при жизни самого мастера . Микеланджело прожил почти 89 лет, целую эпоху, от периода Высокого Возрождения к истокам Контрреформации. За этот период сменилось тринадцать Пап Римских - он выполнял заказы для девяти из них.
СОтворение Адама
Страшный суд
и Рафаэль Санти (1483-1520). великий итальянский живописец, график и архитектор, представитель умбрийской школы.
- Преображение
- Прекрасная садовница
Позднее Возрождение
Позднее Возрождение в Италии охватывает период с 1530-х по 1590-1620-е годы. В Южной Европе восторжествовала Контрреформация (Контрреформация (лат. Contrareformatio ; от contra - против и reformatio - преобразование, реформация) - католическоецерковно-политическое движение в Европе середины XVI-XVII вв., направленное против Реформации и имевшее своей целью восстановить позиции и престиж Римско-католической церкви.), которая с опаской смотрела на всякое свободомыслие, включая воспевание человеческого тела и воскрешение идеалов античности как краеугольные камни ренессансной идеологии. Мировоззренческие противоречия и общее ощущение кризиса вылились во Флоренции в «нервное» искусство надуманных цветов и изломанных линий - маньеризм. В Парму, где работал Корреджо, маньеризм добрался только после смерти художника в 1534 году. У художественных традиций Венеции была собственная логика развития; до конца 1570-х годов там работали Палладио (настоящее имя Андреа ди Пьетро). великий итальянский архитектор позднего Возрождения и маньеризма.(Маньери́зм (от итальянского maniera , манера ) - западноевропейскийлитературно-художественный стиль XVI - первой трети XVII века. Характеризуется утратой ренессансной гармонии между телесным и духовным, природой и человеком .) Основоположник палладианства (Палладианизм или Палладиева архитектура - ранняя форма классицизма, выросшая из идей итальянского архитектора Андреа Палладио (1508-1580). В основе стиля лежат строгое следование симметрии, учёт перспективы и заимствование принципов классической храмовой архитектуры Древней Греции и Рима.) и классицизма. Вероятно, самый влиятельный архитектор в истории .
Первые самостоятельные работы Андреа Палладио, как талантливого проектировщика и одаренного зодчего, - это Базилика в Виченце, в которой проявился его самобытный неподражаемый талант.
Среди загородных домов самое выдающееся творение мастера – вилла Ротонда. Андреа Палладио построил ее в Виченце для вышедшего в отставку ватиканского чиновника. Она примечательна тем, что является первой светско-бытовой постройкой эпохи Возрождения, возведенной в форме античного храма.
Другой пример – палаццо Кьерикати, необычность которого проявляется в том, что первый этаж здания был почти весь отдан на общественное использование, что согласовалось с требованиями городских властей тех времен.
Среди знаменитых градостроительных сооружений Палладио обязательно следует упомянуть о театре Олимпико, спроектированным в стиле амфитеатра.
Тициан (Тициа́н Вече́ллио ) итальянский живописец, крупнейший представитель венецианской школы эпохи Высокого и Позднего Возрождения. Имя Тициана стоит в одном ряду с такими художниками Возрождения, как Микеланджело, Леонардо да Винчи и Рафаэль. Тициан писал картины на библейские и мифологические сюжеты, прославился он и как портретист. Ему делали заказы короли и римские папы, кардиналы, герцоги и князья. Тициану не было и тридцати лет, когда его признали лучшим живописцем Венеции.
По месту рождения (Пьеве-ди-Кадоре в провинции Беллуно, Венецианская республика) его иногда называют да Кадоре ; известен также как Тициан Божественный.
- Вознесение Девы Марии
- Вакх и Ариадна
- Диана и Актеон
- Венера Урбино
- Похищение Европы
чьё творчество имело мало общего с кризисными явлениями в искусстве Флоренции и Рима.
Эпоха Возрождения (Ренессанс). Италия. 15-16 века. Ранний капитализм. Страной правят богатые банкиры. Они интересуются искусством и наукой.
Богатые и влиятельные собирают вокруг себя талантливых и мудрых. Поэты, философы, художники и скульпторы ведут ежедневные беседы со своими покровителями. На мгновение показалось, что людьми правят мудрецы, как того хотел Платон.
Они вспомнили о древних римлянах и греках. Которые тоже строили общество свободных граждан. Где главная ценность – человек (не считая рабов, конечно).
Возрождение – это не просто копирование искусства древних цивилизаций. Это смешение. Мифологии и Христианства. Реалистичности натуры и душевности образов. Красоты физической и красоты духовной.
Это была всего лишь вспышка. Период Высокого Возрождения – это примерно 30 лет! С 1490-х годов до 1527 гг. С начала расцвета творчества Леонардо. До разграбления Рима.
Мираж идеального мира быстро померк. Италия оказалась слишком хрупкой. Она вскоре была порабощена очередным диктатором.
Однако эти 30 лет определили главные черты европейской живописи на 500 лет вперёд! Вплоть до .
Реалистичность изображения. Антропоцентризм (когда человек – главный персонаж и герой). Линейная перспектива. Масляные краски. Портрет. Пейзаж…
Невероятно, но в эти 30 лет творили сразу несколько гениальных мастеров. Которые в другие времена рождаются один на 1000 лет.
Леонардо, Микеланджело, Рафаэль и Тициан – титаны эпохи Возрождения. Но нельзя не упомянуть и о двух их предшественниках. Джотто и Мазаччо. Без которых бы никакого Возрождения бы и не было.
1. Джотто (1267-1337 гг.)
Паоло Уччелло. Джотто да Бондоньи. Фрагмент картины “Пять мастеров флорентийского Возрождения”. Начало 16 века. . 14 век. Проторенессанс. Главный ее герой – Джотто. Это мастер, который в одиночку совершил революцию в искусстве. За 200 лет до Высокого Возрождения. Если бы не он, эпоха, которой так гордится человечество, вряд ли бы наступила.
До Джотто были иконы и фрески. Они создавались по византийским канонам. Лики вместо лиц. Плоские фигуры. Несоблюдение пропорций. Вместо пейзажа – золотой фон. Как, например, на этой иконе.
Гвидо да Сиена. Поклонение волхвов. 1275-1280 гг. Альтенбург, Музей Линденау, Германия. И вдруг появляются фрески Джотто. На них объёмные фигуры. Лица благородных людей. Печальные. Скорбные. Удивленные. Старые и молодые. Разные.
Фрески Джотто в церкви Скровеньи в Падуе (1302-1305 гг.). Слева: Оплакивание Христа. Посередине: Поцелуй Иуды (фрагмент). Справа: Благовещение святой Анны (матери Марии), фрагмент.
Главное творение Джотто – это цикл его фресок в Капелле Скровеньи в Падуе. Когда эта церковь открылась для прихожан, в неё хлынули толпы людей. Потому что такого они никогда не видели.
Ведь Джотто сделал небывалое. Он как бы перевёл библейские сюжеты на простой понятный язык. И они стали гораздо доступнее обычным людям.
Джотто. Поклонение волхвов. 1303-1305 гг. Фреска в Капелле Скровеньи в Падуе, Италия. Именно это будет свойственно многим мастерам Эпохи Возрождения. Лаконичность образов. Живые эмоции персонажей. Реалистичность.
О фресках мастера читайте подробнее в статье.
Джотто восхищались. Но его новаторства развивать дальше не стали. В Италию пришла мода на интернациональную готику.
Только через 100 лет появится мастер, достойный продолжатель Джотто.
2. Мазаччо (1401-1428 гг.)
Мазаччо. Автопортрет (фрагмент фрески “Святой Петр на кафедре”). 1425-1427 гг. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия. Начало 15 века. Так называемое Раннее Возрождение. На сцену выходит ещё один новатор.
Мазаччо был первым художником, который использовал линейную перспективу. Ее разработал его друг, архитектор Брунеллески. Теперь изображенный мир стал похож на реальный. Игрушечная архитектура – в прошлом.
Мазаччо. Святой Петр исцеляет своей тенью. 1425-1427 гг. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия. Он перенял реализм Джотто. Однако, в отличие от предшественника, уже хорошо знал анатомию.
Вместо глыбообразных персонажей Джотто – прекрасно сложенные люди. Совсем как у древних греков.
Мазаччо. Крещение неофитов. 1426-1427 гг. Капелла Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине во Флоренции, Италия. 
Мазаччо. Изгнание из Рая. 1426-1427 гг. Фреска в Капелле Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине, Флоренция, Италия. Мазаччо прожил недолгую жизнь. Он умер, как и его отец, неожиданно. В 27 лет.
Однако последователей у него было много. Мастера следующих поколений ходили в Капеллу Бранкаччи, чтобы учиться по его фрескам.
Так новаторства Мазаччо были подхвачены всеми великими титанами Высокого Возрождения.
3. Леонардо да Винчи (1452-1519 гг.)
Леонардо да Винчи. Автопортрет. 1512 г. Королевская библиотека в Турине, Италия. Леонардо да Винчи – один из титанов Эпохи Возрождения. Который колоссальным образом повлиял на развитие живописи.
Именно он повысил статус самого художника. Благодаря ему представители этой профессии отныне не просто ремесленники. Это творцы и аристократы духа.
Леонардо сделал прорыв в первую очередь в портретной живописи.
Он считал, что ничто не должно отвлекать от главного образа. Взгляд не должен блуждать от одной детали к другой. Так появились его знаменитые портреты. Лаконичные. Гармоничные.
Леонардо да Винчи. Дама с горностаем. 1489-1490 гг. Музей Черторыйских, Краков. Главное же новаторство Леонардо – это то, что он нашёл способ, как сделать образы … живыми.
До него персонажи на портретах были похожи на манекены. Линии были чёткими. Все детали тщательно прорисованы. Раскрашенный рисунок никак не мог быть живым.
Но тут Леонардо изобрел метод сфумато. Он растушевал линии. Сделал переход от света к тени очень мягким. Его герои словно покрыты еле уловимой дымкой. Персонажи ожили.
. 1503-1519 гг. Лувр, Париж. С тех пор сфумато войдёт в активный словарь всех великих художников будущего.
Часто встречается мнение, что Леонардо, конечно, гений. Но не умел ничего довести до конца. И картины часто не дописывал. И многие его проекты так и остались на бумаге (между прочим, в 24 томах). И вообще его бросало то в медицину, то в музыку. И даже искусством сервировки одно время увлекался.
Однако, сами подумайте. 19 картин. И он – величайший художник всех времён и народов. А кто-то даже близко не стоит по величию. При этом написав 6000 полотен за жизнь. Очевидно же, у кого КПД выше.
О самой знаменитой картине мастера читайте в статье .
4. Микеланджело (1475-1564 гг.)
Даниеле да Вольтерра. Микеланджело (фрагмент). 1544 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк. Микеланджело считал себя скульптором. Но он был универсальным мастером. Как и другие его коллеги Эпохи Возрождения. Поэтому его живописное наследие не менее грандиозно.
Он узнаваем прежде всего по физически развитым персонажам. Потому что он изображал совершенного человека. В котором физическая красота означает красоту духовную.
Поэтому все его герои такие мускулистые, выносливые. Даже женщины и старики.
Микеланджело. Фрагменты фрески “Страшный суд” в Сикстинской капелле, Ватикан.
Часто Микеланджело писал персонажа обнаженным. А потом уже сверху дописывал одежду. Чтобы тело было максимально рельефным.
Потолок Сикстинской капеллы он расписывал сам. Хотя это несколько сотен фигур! Он даже краски растирать никому не позволял. Да, он был одиночкой. Обладая крутым и неуживчивым характером. Но больше всех он был недоволен … собой.
Микеланджело. Фрагмент фрески “Сотворение Адама”. 1511 г. Сикстинская капелла, Ватикан. Микеланджело прожил долгую жизнь. Пережив угасание Возрождения. Для него это было личной трагедией. Поздние его работы полны печали и скорби.
Вобще творческий путь Микеланджело уникален. Ранние его работы – это восхваление человека-героя. Свободного и мужественного. В лучших традициях древней Греции. Как его Давид.
В последние годы жизни – это трагические образы. Намеренно грубо отесанный камень. Как будто перед нами памятники жертвам фашизма 20 века. Посмотрите на его “Пьету”.
Скульптуры Микеланджело в Академии изящных искусств во Флоренции. Слева: Давид. 1504 г. Справа: Пьета Палестрины. 1555 г.
Как такое возможно? Один художник за одну свою жизнь прошёл все этапы искусства от эпохи Возрождения до 20 века. Что же делать последующим поколениям? Что ж, идти своим путём. Осознавая, что планка поднята очень высоко.
5. Рафаэль (1483-1520 гг.)
. 1506 г. Галерея Уффици, Флоренция, Италия. Рафаэль никогда не был в забвении. Его гениальность признавали всегда. И при жизни. И после смерти.
Его герои наделены чувственной, лиричной красотой. Именно его по праву считаются самыми прекрасными женскими образами, когда-либо созданными. Их внешняя красота отражает и душевную красоту героинь. Их кроткость. Их жертвенность.
Рафаэль. . 1513 г. Галерея старых мастеров, Дрезден, Германия. Знаменитые слова “Красота спасёт мир” Фёдор Достоевский сказал именно о . Это была его самая любимая картина.
Однако чувственные образы – не единственная сильная сторона Рафаэля. Он очень тщательно продумывал композиции своих картин. Он был непревзойдённым архитектором в живописи. Причём он всегда находил самое простое и гармоничное решение в организации пространства. Кажется, что по другому и быть не может.
Рафаэль. Афинская школа. 1509-1511 гг. Фреска в станцах Апостольского дворца, Ватикан. Рафаэль прожил всего 37 лет. Он умер внезапно. От подхваченной простуды и врачебной ошибки. Но его наследие трудно переоценить. Многие художники боготворили этого мастера. Множа его чувственные образы в тысячах своих полотен..
Тициан был непревзойдённым колористом. Также он много экспериментировал с композицией. Вообще он был дерзким и ярким новатором.
За такую яркость таланта его все любили. Называя “Королём живописцев и живописцем королей”.
Говоря о Тициане, хочется после каждого предложения ставить восклицательный знак. Ведь именно он привнёс в живопись динамику. Пафос. Восторженность. Яркий колорит. Сияние красок.
Тициан. Вознесение Марии. 1515-1518 гг. Церковь Санта-Мария Глориози деи Фрари, Венеция. К концу жизни он выработал необычную технику письма. Мазки быстрые. Густые. Пастозные. Краску наносил то кистью, то пальцами. От этого – образы ещё более живые, дышащие. А сюжеты – ещё более динамичные и драматичные.
Тициан. Тарквиний и Лукреция. 1571 г. Музей Фицуильяма, Кэмбридж, Англия. Ничего это вам не напоминает? Конечно, это техника . И техника художников 19 века: барбизонцев и . Тициан, как и Микеланджело, пройдёт 500 лет живописи за одну свою жизнь. На то он и гений.
О знаменитом шедевре мастера читайте в статье.
Художники эпохи Возрождения – это художники больших знаний. Чтобы оставить такое наследие, нужно было очень много знать. В области истории, астрологии, физики и так далее.
Поэтому каждый их образ заставляет нас задумываться. Для чего это изображено? Какое здесь зашифровано послание?
Поэтому они почти никогда не ошибались. Потому что досконально продумывали своё будущее произведение. Используя весь багаж своих знаний.
Они были больше, чем художники. Они были философами. Объясняющими нам мир с помощью живописи.
Вот почему они будут нам всегда глубоко интересны.
Эпоха возрождения зародилась в Италии. Свое название она приобрела благодаря резкому интеллектуальному и художественному расцвету, который начался в 14 веке и очень сильно повлиял на европейское общество и культуру. Ренессанс выражался не только в картинах, но и в архитектуре, скульптуре и литературе. Самые выдающиеся представители эпохи возрождения – это Леонардо да Винчи, Боттичелли, Тициан, Микеланджело и Рафаэль.
В эти времена главной целью живописцев было реалистичное изображение человеческого тела, поэтому в основном они рисовали людей, изображали разные религиозные сюжеты. Так же был изобретен принцип перспективы, что открыло перед художниками новые возможности.
Центром Ренессанса стала Флоренция, второе же место заняла Венеция, а позже, ближе к 16 веку – Рим.
Леонардо известен нам, как талантливый живописец, скульптор, учёный, инженер и архитектор эпохи Возрождения. Большую часть своей жизни Леонардо проработал во Флоренции, где создал немало шедевров, известных во всем мире. Среди них: «Мона Лиза» (иначе – «Джоконда»), «Дама с горностаем», «Мадонна Бенуа», «Иоанн Креститель» и «Св. Анна с Марией и младенцем Христом».
Этот художник узнаваем благодаря уникальному стилю, который вырабатывал годами. Он так же разрисовывал стены Сикстинской капеллы по личной просьбе папы Сикста IV. Известные картины Боттичелли писал на мифологическую тематику. К таким картинам относится «Весна», «Паллада и Кентавр», «Рождение Венеры».
Тициан был главой флорентийской школы художников. После смерти своего учителя Беллини, Тициан стал официальным, общепризнанным художником Венецианской республики. Этот живописец известен своими портретами на религиозные темы: «Вознесение Марии», «Даная», «Любовь земная и Любовь небесная».
Итальянский поэт, скульптор, архитектор и художник изобразил немало шедевров, из которых – знаменитая статуя «Давида» из мрамора. Эта статуя стала главной достопримечательностью во Флоренции. Микеланджело расписал свод Сикстинской капеллы в Ватикане, что являлось крупным заказом папы Юлия II. В период своего творчества он больше внимания уделял архитектуре, но подарил нам «Распятие Св. Петра», «Положение во гроб», «Сотворение Адама», «Предсказательницу».
Его творчество формировалось под большим влиянием Леонардо да Винчи и Микеланджело, благодаря которым он обрел бесценный опыт и мастерство. Расписывал парадные залы в Ватикане, представляя человеческую деятельность и изображая разнообразные сцены из Библии. Среди известных картин Рафаэля – «Сикстинская Мадонна», «Три Грации», «Святой Михаил и дьявол».
Иван Сергеевич Церегородцев
Эпоха Возрождения внесла большие изменения в искусство живописи. Художники овладели умением тонко передавать свет и тень, пространство, естественными стали позы и жесты их персонажей. С большим мастерством изображали они на своих картинах сложные человеческие чувства.
В живописи Раннего Возрождения, или Кватроченто (XV в.), обычно звучат мажорные ноты; ее отличают чистые цвета, персонажи выстроены в ряд и очерчены темными контурами, отделяющими их от фона и светлых дальних планов. Очень подробно и тщательно выписаны все детали. Хотя живопись Кватроченто еще не столь совершенна, как искусство Высокого и Позднего Возрождения, она до глубины души трогает зрителя своей чистотой и искренностью.
Самым первым значительным живописцем эпохи Раннего Возрождения стал Мазаччо. Хотя художник прожил всего 28 лет, он успел оставить значительный вклад не только в живопись эпохи Возрождения, но и во все мировое искусство. Его картины отличаются глубоким колоритом, фигуры кажутся плотными и удивительно живыми. Мазаччо прекрасно передает перспективу и объемы, владеет светотеневыми эффектами. Первым из живописцев Раннего Возрождения он изобразил обнаженное человеческое тело и представил своих героев прекрасными и сильными, достойными уважения и восхищения. Позднее на произведениях Мазаччо («Изгнание из рая», «Чудо с податью») учились такие великие мастера Высокого Возрождения, как Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэль.
В этот период свои творения создавали многие замечательные художники. Во Флоренции работал Паоло Уччелло, писавший батальные сцены и славившийся умением изображать коней и всадников в сложных ракурсах и позах. Джорджо Вазари, посредственный художник и замечательный биограф и историк искусства, живший в XVI в., рассказывал, что Уччелло мог неделями и даже месяцами не выходить из дома, решая поставленные перед собой сложнейшие проблемы перспективы. Своим близким, умолявшим его прервать эти занятия, он отвечал: «Оставьте меня, нет ничего сладостнее перспективы».
Во Флоренции работал живописец Филиппо Липпи. В юности он был монахом монастыря братьев-кармелитов, но вскоре оставил его, посвятив себя живописи. О его жизни существует множество легенд. Рассказывают, что за любовными похождениями бывшего монаха с интересом следила вся Флоренция. Свою будущую жену, Лукрецию Бути, художник похитил из монастыря. В дальнейшем он не раз писал ее в образе Мадонны («Коронование Марии», 1447; «Мадонна под вуалью»). Картины Филиппо Липпи лишь формально связаны с религиозными темами: они лишены драматизма и патетики, нет в них величия и монументальности. В то же время жизнерадостные кудрявые ангелы, хорошенькие дети и милые женщины пленяют зрителя своим очарованием. С большим мастерством художник пишет уютные и свежие лесные пейзажи, являющиеся фоном к библейским сценам. У современников произведения Филиппо Липпи пользовались большой популярностью, он был любимым художником Козимо Медичи, который был в то время правителем Флоренции.
В это же время работал другой флорентийский мастер, монах-доминиканец и настоятель монастыря Сан-Марко Фра Беато Анджелико, произведения которого исполнены глубокого религиозного чувства. Всю свою жизнь Фра
Анджелико посвятил созданию икон и фресок для монастырей. Его живопись отличается яркими и чистыми красками, сияющей позолотой. По-готически удлиненные фигуры его Мадонн кажутся одухотворенными, отрешенными от всего земного. Одна из лучших работ Фра Анджелико - алтарная композиция «Коронование Марии» (ок. 1435-1436) . Его Богоматерь - воплощение поэтичной, чистой женственности, радостной и спокойной. В живописи флорентийского мастера нет мрачного мистицизма; даже в многофигурном алтаре на тему Страшного суда на левой стороне художник изобразил блаженный рай с фигурами счастливых ангелов в прекрасных одеждах.
В это время в Нидерландах были изобретены масляные краски, которые позволили живописцам делать цветовые переходы более тонкими, свободнее использовать свет для оживления колорита. Помогали они и добиваться единой цветовой тональности. Первым из итальянских художников масляными красками начал писать представитель флорентийской школы, венецианец по происхождению, Доменико Венециано. Уже в ранних его работах («Поклонение волхвов», 1434) ярко проявляется колористическое дарование художника. Чистые, почти прозрачные краски, насыщенные светом, образуют единую тональную гамму. Более поздние произведения поражают виртуозной передачей световоздушной среды - считается, что Доменико Венециано одним из первых стал изображать ее на своих полотнах.
Мастерство живописца особенно полно выразилось в знаменитых флорентийских портретах Доменико Венециано.
Чаще всего он изображал женские лица в профиль (имена большинства моделей не установлены) на фоне серебристого неба или пейзажа. Стараясь сделать краски более чистыми и яркими, художник добавлял в них льняное масло.
Достижения Доменико Венециано были развиты его учеником и последователем Пьеро делла Франческа, которого современники считали «монархом живописи». Уроженец Тосканы, работавший во Флоренции, он изучал творчество Джотто, Мазаччо и Паоло Уччелло. Некоторое влияние на него оказала также нидерландская живопись. Не только художник, но и известный исследователь искусства, Пьеро делла Франческа написал теоретические трактаты - «О перспективе в живописи» и книжицу «О пяти правильных телах».
Произведения Пьеро делла Франчески отличаются ясной и четкой композицией, умелой передачей световоздушной среды, чистыми и свежими красками. Человек в его картинах лишен того внутреннего конфликта, который появится в дальнейшем в живописи Позднего Возрождения и барокко. Герои Пьеро делла Франчески спокойны, величавы и мужественны. Именно эти качества присущи образам герцога и герцогини Урбинских - Федериго да Монтефельтро и его жены, Баттисты Сфорца, в знаменитом парном портрете.
Полководец, политик и меценат, правитель Урбино Федериго да Монтефельтро был близким другом художника. Пьеро делла Франческа изобразил герцога и в другой известной картине - «Мадонна со святыми и ангелами и заказчиком Федериго да Монтефельтро».
Прекрасно умевший передавать перспективу, Пьеро делла Франческа писал великолепные архитектурные ведуты (ведута - картина-план «идеального города»), оказавшие большое влияние на творчество современных ему архитекторов.
В эпоху Высокого Возрождения искусство Пьеро делла Франчески стало казаться устаревшим, и Римский Папа предложил Рафаэлю расписать стены Ватикана, покрытые фресками Пьеро делла Франчески. Рафаэль согласился и мастерски справился с работой.
Наиболее ярко художественные идеалы позднего Кватроченто были представлены мастером умбрийской школы живописи Пьетро Перуджино. Его живопись, спокойная, созерцательная и лиричная, наполнена хрупкими и изящными образами, окруженными поэтичными холмистыми пейзажами Умбрии. Ясная гармония полотен Перуджино сближает его живопись с искусством Высокого Возрождения («Оплакивание Христа», ок. 1494-1495; «Мадонна со святыми, 1496). Живописец
оказал большое влияние на своего ученика - знаменитого Рафаэля.
Почти в каждом городе Италии существовала художественная школа, обладавшая собственной индивидуальностью.
Но все они стремились показать в своем искусстве красоту земли и человека. В эту эпоху одним из самых значительных культурных центров была Падуя с ее знаменитым университетом. В этом городе в XV в. жил знаток искусства Франческо Скварчоне. Он собирал в окрестностях Падуи, а также далеко за пределами города античные монеты, медали, обломки барельефов. Его увлеченность передалась падуанским живописцам, скульпторам, мастерам по золоту, которые окружали его и считали своим учителем.
Скварчоне воспитал великого живописца Андреа Мантенью, который попал в его дом десятилетним мальчиком. Творчество Мантеньи, прожившего долгую жизнь, необычайно многогранно: кроме живописи и гравюры, он увлекался геометрией оптикой, археологией. Полюбивший еще в доме Скварчоне искусство античного Рима (в эпоху Возрождения в Италии еще не знали об искусстве Древней Греции), живописец использовал в своих произведениях его образы, придав им героико-романтические черты. Его святые, властители, воины, написанные на фоне мрачного каменистого пейзажа, производят впечатление величия и мощи. Многие работы Мантеньи пронизаны глубоким драматизмом. Такова его знаменитая композиция «Мертвый Христос», поразившая современников своей эмоциональностью.
Мантенья прославился и как талантливый гравер на меди. Он первым сделал гравюру равноправным видом изобразительного искусства.
Своей вершины живопись Проторенессанса достигла в творчестве Боттичелли.
Сандро Боттичелли
До наших дней дошло не так много сведений о жизни Сандро Боттичелли и об истории создания им произведений, ставших позднее жемчужинами мирового изобразительного искусства. Искусствоведам и историкам стали известны лишь некоторые факты из биографии великого мастера.
Родился Боттичелли в 1444 г. Живописи учился в художественной мастерской Филиппо Липпи. Раннее творчество Боттичелли отмечено влиянием искусства Липпи, а также идей, сформировавшихся при дворе Лоренцо Медичи. Однако с большой долей уверенности можно говорить о том, что образы, созданные великим художником, были объемнее и содержательнее произведений живописцев, работающих под покровительством Медичи.
Ранние портреты Боттичелли носят следы влияния живописной манеры Филиппо Липпи, а также Андреа Верроккьо и Поллайоло. В более поздних работах индивидуальность мастера проявляется глубже. Так, на известном полотне «Поклонение волхвов» изображены члены семьи Медичи и дан автопортрет художника. Композиция отличается богатством, яркостью и вместе с тем нежностью красок, а также тонким изяществом и легкостью. Образы, созданные Боттичелли, наполнены лиризмом и необыкновенной, идущей из глубины души красотой.
В 70-е гг. XV в. появляется первая картина Боттичелли, принесшая живописцу огромную славу среди современников и оставившая память о мастере в веках. Это полотно - «Весна», ныне хранящееся в галерее Уффици во Флоренции. Произведение было написано после прочтения художником одного из стихотворений Полициано. Образы-аллегории представлены на фоне чудесного лесного пейзажа. Похожий на райский, сад потрясает своей необычностью и неземной красотой. Центральное место в композиции отведено Венере. С правой стороны от нее размещена Флора, рассыпающая сказочные цветы, слева - танцующие грации, легкие и воздушные, похожие на белые, почти прозрачные облака. Динамика создается именно за счет изображения движущихся в хороводе граций.
Вся картина отличается необыкновенной красотой и нежностью. Несмотря на то что название ее - «Весна», при взгляде на картину возникает чувство легкой грусти, с которым мы не привыкли отождествлять весну. В сознании любого человека весна - это обновление мира, радость, восторг. У Боттичелли же происходит переосмысление общепринятых и привычных образов.
В 1481 г. Сандро Боттичелли отправляется в Рим, где расписывает стены Сикстинской капеллы. В числе прочих фресок его кисти принадлежит и знаменитая «Жизнь Моисея».
В 1482 г. художник вновь поселяется во Флоренции. Искусствоведы и биографы считают этот год наиболее плодотворным для становления и развития творчества мастера-живописца. Именно тогда появляется знаменитое полотно «Рождение Венеры», находящееся сейчас в галерее Уффици во Флоренции.
В картине нет плоскостного изображения - Боттичелли выступает здесь как мастер передачи пространственных линий.
Именно они создают впечатление глубины и объемности, призванных показать динамику движений действующих лиц живописного повествования. Светлые пастельные тона полотна и умело используемые сочетания красок (прозрачно-зеленые воды моря, голубые накидки зефиров, золотистые волосы Венеры, темно-красный плащ в руках у нимфы) создают ощущение необычайной нежности и говорят о тонком чувстве цвета художника.
Центральной фигурой композиции является Венера, только что вышедшая из вод синего моря. Она обнажена. Однако благодаря ее спокойному и одухотворенному взгляду у зрителя не возникает ощущения неловкости. Богиня прекрасна, насколько может быть прекрасным неземное существо, сошедшее с небес. Образ Венеры можно легко узнать на полотнах, созданных Боттичелли по известным библейским мотивам. Среди полотен с религиозным содержанием наиболее заметными являются «Мадонна на троне» (1484) и «Мадонна во славе» («Магнификат»).
Обе они в настоящее время находятся в галерее Уффици во Флоренции. «Мадонна во славе» отличается тонким лиризмом образов. Динамика композиции создается благодаря круглой форме картины, ритмы которой повторяются
в расположении движущихся фигур. Пейзаж, выведенный на задний план композиции, создает объем и пространство.
Необычайно красивы и лиричны также портретные работы великого живописца. Среди них особый интерес представляют
портрет Джулиано Медичи и «Портрет юноши». Однако в настоящее время некоторые искусствоведы приписывают авторство последней работы ученику Сандро Боттичелли Филиппино Липпи (сын Филиппо Липпи).
90-е гг. XV столетия стали для художника переломными. Это время отмечено изгнанием Медичи и приходом к власти
Савонаролы, чьи религиозные проповеди были направлены на обличение Папы и богатых флорентийских семейств. Он
критиковал и светское искусство, а всех художников и поэтов, по мнению Савонаролы, после смерти ожидала геенна огненная. Чтобы избежать этого, необходимо отречься от искусства и покаяться в грехах…
Эти проповеди существенно повлияли на мировоззрение Боттичелли, что не могло не отразиться на его творчестве. Произведения живописца, созданные в этот период, отличаются необычайно глубоким пессимизмом, безнадежностью и обреченностью. Автор все чаще обращается теперь к христианским сюжетам, забыв об античности. Характерным для Боттичелли произведением этого времени является «Покинутая», ныне хранящаяся в собрании Паллавичини в Риме. Сюжет картины достаточно прост: плачущая женщина сидит на каменных ступенях у стены с плотно закрытыми воротами. Но, несмотря на простоту содержания, картина очень выразительна и создает у зрителя угнетающее, грустное и тоскливое настроение.
В 1490-х гг. XV в. появляются иллюстрации Боттичелли к «Божественной комедии» Данте. До наших дней сохранилось лишь 96 рисунков, которые находятся сейчас в музеях Берлина и Ватикана. Все образы зарисовок необычайно хрупки, воздушны и легки, что является отличительной чертой всего творчества Боттичелли.
В тех же 90-х гг. великим мастером было создано полотно «Клевета», хранящееся в галерее Уффици во Флоренции. Картина примечательна тем, что здесь несколько меняется манера письма. Линии, создающие образы, становятся более резкими и заостренными. Композиция наполнена патетикой, эмоциональностью и большей, по сравнению с другими работами, определенностью образов.
Вершиной выражения религиозного фанатизма художника стала картина под названием «Оплакивание Христа». В настоящее время варианты полотна хранятся в музее Польди-Пеццоли в Милане и Старой пинакотеке в Мюнхене. Особый интерес здесь представляют образы приближенных к Христу, наполненные глубокой скорбью и тоской. Впечатление трагизма усиливается за счет использования художником контрастных, то темных, то ярких красок. Перед зрителем уже не бестелесные, почти невесомые и невидимые образы, а вполне конкретные и четкие фигуры.
Одним из ярчайших произведений, относящихся к позднему периоду творчества Боттичелли, является полотно «Сцены из жизни Св. Зиновия», хранящееся в настоящее время в Дрезденской картинной галерее в Германии. Выполненная в стиле росписи старинных алтарных приделов, композиция представляет собой некий коллаж, составленный из отдельных картин, повествующих о жизни святого. Однако, несмотря на сходство со старинным искусством, в полотне достаточно ясно проявилась творческая индивидуальность мастера живописи. Его образы цельные и ясные. Размещены они не в абстрактном пространстве, а на фоне конкретного пейзажа. Место действия у Боттичелли четко определено: чаще всего это обыкновенные городские улицы с виднеющимся вдали прекрасным лесом.
Особый интерес представляют сочетания используемых живописцем красок. Манера письма с этой точки зрения во многом сходна с техникой расписывания старинных икон, колорит которых основан не на ярком контрасте, а на подборе спокойных, близких по цвету тонов.
Сандро Боттичелли умер 17 мая 1510 г. Его творчество оказало большое влияние не только на мастеров XV-XVI вв., но и многих живописцев более поздних эпох.
В эпоху Проторенессанса творили также такие замечательные художники, как сиенские живописцы, жившие в одно время с Дуччо, братья Амброджо и Пьетро Лоренцетти; флорентийцы Мазолино и Беноццо Гоццоли, умбриец Джентиле де Фабриано; живописец и медальер Пизанелло; флорентийцы Филиппино Липпи (сын Филиппо Липпи) и Пьеро ди Козимо. Представителями умбрийской школы были живописцы Лука Синьорелли, Пинтуриккио, Мелоццо да Форли. В Ферраре работали Козимо Тура, Эрколе Роберти, Франческо дель Косса, Лоренцо Коста.
В XV в. во Флоренции большой популярностью пользовался еще один живописный жанр. Во многих семьях были нарядные сундуки (кассоне), в которых девушки хранили свое приданое. Мастера покрывали их искусной резьбой и изящной живописью. Чаще всего художники использовали для росписей мифологическую тематику.
Венецианская живопись
Особое место в искусстве Кватроченто принадлежит Венеции. Удивительный город, расположенный на ста восемнадцати островах, отделенных друг от друга ста шестьюдесятью каналами, был в ту эпоху городом-государством. Венеция, республика купцов, торгующая с Египтом, Грецией, Турцией, Сирией, Багдадом, Индией, Аравией, Северной Африкой, Германией и Фландрией, была открыта для проникновения других культур.
Венецианская живопись призвана была запечатлеть всю красоту, богатство и великолепие этого великого города. Своего расцвета она достигла во второй половине XV в. Произведения венецианских мастеров, красочные и празднично-декоративные, украшали храмы, дворцы, помещения различных общественных заведений, восхищая правителей и простых граждан.
Ярким примером венецианской живописи является творчество Витторе Карпаччо. Его простодушные повествовательные композиции поэтично представляют Венецию во время торжественных церемоний («Прием послов»). Художник изображает и повседневную жизнь родного города; он пишет сцены из Священной истории, трактуя их с точки зрения современности. Таковы его «Житие св. Урсулы» (1490-е), «Сцены из жизни Марии», «Житие св. Стефана» (1511-1520).
Реалистические тенденции венецианской живописи эпохи Раннего Возрождения нашли отражение в творчестве Антонелло да Мессина. Одна из самых знаменитых его картин - «Св. Себастьян» (1476). Тема мученичества св. Себастьяна, ставшего жертвой противника христианства Диоклетиана, была широко распространена среди художников Возрождения, но Антонелло да Мессина по-особому трактует ее: в образе Себастьяна нет той страдальческой экзальтации, которая свойственна произведениям, написанным на тот же сюжет другими живописцами с этим сюжетом. Художник заставляет зрителя любоваться красотой человеческого тела и восхищаться мужеством и силой духа прекрасного юноши. Воздухом и светом пронизан спокойный пейзаж, на фоне которого изображен Себастьян. За его спиной высятся величественные городские постройки, у ног лежит античная колонна.
Антонелло да Мессина - замечательный мастер портрета, лучшие произведения этого жанра - т. н. «Автопортрет» (ок. 1473), «Кондотьер», «Мужской портрет» (1470-е) . Этим работам свойственна сдержанность и обобщенность, качества, которые так ценили современники художника. Портретное творчество мастера предвосхитило творчество Джованни Беллини.
Крупный мастер венецианского Кватроченто, Джованни Беллини считается одним из основоположников Высокого Возрождения. Трагическим величием отмечены его работы «Мадонна со святыми» (1476) , «Оплакивание Христа» (1475). Приковывает внимание его таинственная «Озерная мадонна» (ок. 1500), навеянная французской поэмой
о золотом веке «Паломничество души». В этой картине соединились прекрасные образы античности и мечты о христианском рае.
До сих пор исследователи до конца не разгадали, что же хотел сказать художник, изобразив рядом с Богородицей, апостолами и святыми обычных людей.
Кисти Беллини принадлежит несколько замечательных портретов («Мальчик», «Портрет дожа Леонардо Лоредано» и др.), с которых начался расцвет портретной живописи в Венеции. Мастерство живописца в изображении природы, являющейся неотъемлемой частью всех его произведений («Св. Франциск», 1470-е), оказало большое влияние на многих венецианских пейзажистов последующих поколений. Учениками Беллини были такие извест¬ные живописцы, как Джорджоне и Тициан.
Джорджоне
Джорджоне, не только великий живописец, но и талантливый музыкант и поэт, ярко выделяется среди венецианских живописцев. Вазари писал, что «игра его на лютне и пение почитались божественными». Вероятно, отсюда и особая музыкальность и поэтичность полотен Джорджоне - в этом ему нет равных не только в итальянском, но и в мировом искусстве.
Сведений о жизни Джорджоне немного. Настоящее его имя - Джорджо Барбарелли да Кастельфранко. Как пишет Вазари,
прозвище Джорджоне («Большой Джорджо») художник получил «за величие духа».
Джорджоне родился около 1478 г. в Кастельфранко. В ранней юности он приехал в Венецию, где поступил в мастерскую Джованни Беллини. С тех пор живописец почти не покидал Венецию, где и умер в 1510 г. во время эпидемии чумы.
Одной из самых известных картин Джорджоне является знаменитая «Юдифь», хранящаяся в Эрмитаже. Легенда рассказывает, что красавица Юдифь проникла в шатер предводителя вражеского войска Олоферна и обольстила его. Когда Олоферн уснул, девушка обезглавила его.
Об этой загадочной картине русский художник А. Бенуа писал: «Странная картина, такая же «двусмысленная» и «коварная», как и картины Леонардо. Юдифь ли это? - хочется спросить про эту строгую печальную красавицу с лицом дрезденской Венеры, так спокойно попирающую отрубленную голову». Действительно, в этом полотне кроется какое-то противоречие и тайна: беспощадная библейская Юдифь предстает в произведении Джорджоне в поэтическом образе мечтательной девушки на фоне спокойной и тихой природы.
И это не единственная загадка в творчестве Джорджоне.
Какая тайна скрыта в картине «Гроза», на которой под грозовым небом, среди деревьев и обломков античных колонн мы видим сидящую молодую женщину, которая кормит ребенка, а поодаль прогуливается юноша? Также непонятно, что хотел сказать художник, изобразивший на полотне под названием «Сельский концерт» двух обнаженных женщин в компании двух музыкантов, расположившихся в тени дерева. В «Сельском концерте» - своей последней работе - Джорджоне не успел дописать пейзаж на заднем плане, и это сделал за него Тициан. Уже в другую эпоху замысел композиции использовал Э. Мане в своем знаменитом «Завтраке на траве».
Деревья, холмы, светлые дали в произведениях Джорджоне - не просто фон, на котором изображены фигуры людей. Пейзаж неразрывно связан с персонажами с идеей произведений венецианского мастера. Так, в композиции «Три философа» старец в античных одеяниях, человек средних лет в восточном тюрбане и юноша, воплощающие разные стадии познания природы, представляют единое целое с ней: нежной зеленью горной долины, скалистой громадой, бледным небом, озаренным неяркими солнечными лучами.
Эта же идея гармонии человека и природы нашла свое отражение в одном из шедевров Джорджоне - полотне «Спящая Венера». Чувственная и в то же время целомудренная нагота погруженной в сон красавицы стала олицетворением восхитительного и одновременно простого итальянского пейзажа, золотисто-желтые тона которого повторяются в теплых оттенках тела Венеры. Позднее мотив «Спящей Венеры» использовал Тициан («Венера Урбинская») , затем Д. Веласкес («Венера перед зеркалом») , Ф. Гойя («Маха») и Э. Мане («Олимпия»).
Глубокий интерес Джорджоне к ландшафту как самостоятельному элементу композиции подготовил появление в итальянской живописи нового жанра - пейзажа.
Творчество Джорджоне оказало значительное влияние не только на венецианскую, но и на всю итальянскую живопись. Замечательный художник стал одним из основоположников искусства Высокого Возрождения. В дальнейшем принципы и идеи его искусства Джорджоне нашли отражение в произведениях ученика Тициана.